showcase — TØN

Komorebi

Mateo Marangoni and Dieter Vandore

Komorebi to stado sztucznych istot, które tworzą muzykę w odpowiedzi na światło słoneczne, chmury i cienie drzew kołyszących się na wietrze. Nazwa pochodzi z języka japońskiego i oznacza „światło słoneczne prześwitujące przez drzewa”. Projekt zaprasza do doświadczenia gry światła i cienia na leśnym podłożu w formie muzyki, sugerując, że „życie” może być cechą złożonych systemów, wykraczającą poza świat organizmów biologicznych. Stado, składające się ze 100 elektronicznych istot, działa niezależnie, wymieniając informacje za pomocą sygnałów fizycznych filtrowanych przez przestrzeń, która je dzieli. Każda istota reaguje na swoje otoczenie, takie jak zmiany oświetlenia, dźwięki środowiska czy dźwięki innych istot. W ten sposób generuje przestrzenną muzykę, która ewoluuje wraz z pogodą. Zwiedzający mogą eksplorować instalację, spacerując i obserwując, jak muzyka zmienia się w przestrzeni, lub usiąść, aby wsłuchać się w jej stopniową ewolucję. Komorebi zostało zaprojektowane do prezentacji w parkach, ogrodach i lasach, łącząc muzykę elektroniczną z naturalnym otoczeniem. Projekt pozwala na głębsze połączenie z naturą, podkreślając jej nieustanne przemiany.

Komorebi is a swarm of artificial creatures that create music in response to sunlight, clouds, and the shadows ofsdsds trees swaying in the wind. The name, derived from Japanese, means “sunlight shining through trees.” The project invites us to experience the interplay of light and shadow on the forest floor as music, proposing that "life" can also be a property of complex systems beyond biological organisms. The swarm, consisting of 100 electronic creatures, operates independently while sharing information through physical signals filtered by the space between them. Each creature responds to its surroundings, including light changes, environmental sounds, and the sounds of other creatures, generating spatial music that evolves with the weather. Visitors can explore the installation by walking through it to experience how the music shifts in space or sitting to observe its gradual evolution over time. Komorebi is designed for parks, gardens, and forests, blending electronic music with the natural environment and fostering a deeper connection with nature's constant transformations.

©Komorebi by Matteo Marangoni and Dieter Vandoren

matteomarangoni.com/Komorebi-page dietervandoren.net matteomarangoni.com

^{Matteo Holyoke Marangoni} urodził się we Florencji w 1982 roku w mieszanej rodzinie artystycznej, włosko-amerykańskiej. Studiował wykonawstwo muzyczne, inżynierię dźwięku i zarządzanie kulturą, a w 2011 roku uzyskał tytuł magistra w ArtScience Interfaculty w Hadze. W swojej praktyce artystycznej koncentruje się na tworzeniu doświadczeń sensorycznych, które łączą dźwięk, przestrzeń, obraz i ciało. Jego performanse i instalacje przedstawiają procesy fizyczne, zjawiska sensoryczne i maszyny w sposób muzyczny i teatralny. W swoich pracach wykorzystuje technologię DIY, systemy cyfrowe, robotykę, przestrzenie architektoniczne, ludzi oraz inne formy życia. Z tych elementów tworzy poetyckie rytuały, badając przestrzeń między podmiotem a przedmiotem, naturą a technologią, materialnością a transcendencją, a także eksplorując absurd, ciekawość, wynalazczość i kontemplację.

^{Matteo Holyoke Marangoni} was born in Florence in 1982 in a mixed Italian and American family of artists. He studied music performance, sound engineering and cultural management, before receiving a masters diploma from the ArtScience Interfaculty in The Hague in 2011. In his art practice he focuses on creating sensory experiences that connect sound, space, image and the body. His performances and installations present physical processes, sensory phenomena and machines in ways that are both musical and theatrical. He works combine DIY electronics, digital systems, robotics, architectural spaces, humans and other life forms. With these elements he composes poetic rituals addressing the space between subject and object, nature and technology, materiality and transcendence, the absurd, curiosity, invention and contemplation.Ļ

^{Dieter Vandoren} (ur. 1981, Belgia) jest artystą, performerem i twórcą technologii kreatywnych. Jego prace czerpią z różnorodnych dziedzin, takich jak muzyka, technologie informatyczne i eksperymentalna architektura. Koncentruje się na tworzeniu i grze na przestrzennych audiowizualnych instrumentach oraz środowiskach z naciskiem na ucieleśnienie, immersję i podstawowe doświadczenia sensoryczne. Dieter posiada tytuł magistra ArtScience Interfaculty (Królewska Akademia Sztuk Pięknych i Królewski Konserwatorium w Hadze) oraz licencjat z komunikacji cyfrowej (Uniwersytet Nauk Stosowanych w Utrechcie). Jego prace były prezentowane na takich wydarzeniach i w miejscach jak Ars Electronica (Austria), Club Transmediale, Akademie der Künste Berlin (Niemcy), NIME/Goldsmiths (Wielka Brytania), Artefact/STUK (Belgia), Medialab Prado (Hiszpania), Electrochoc (Francja), Sound Around Kaliningrad (Rosja), Sin Pin Pier Gallery (Tajwan), Gaudeamus Muziekweek, November Music, Rewire, TodaysArt, STEIM, STRP, Glow, FIBER (Holandia) i wielu innych.

^{Dieter Vandoren} (°1981, Belgium) is an artist, performer and creative tech developer. His work draws from diverse backgrounds in music, IT and experimental architecture and revolves around the creation and play of spatial audiovisual instruments and environments with a focus on embodiment, immersion and primary sensory experiences. Dieter has a masters degree from the ArtScience Interfaculty (Royal Academy of Art & Royal Conservatoire The Hague) and a bachelor in Digital Communication (University of Applied Sciences Utrecht). His works have been featured at Ars Electronica (AT), Club Transmediale, Akademie der Künste Berlin (DE), NIME/Goldsmiths (UK), Artefact/STUK (BE), Medialab Prado (ES), Electrochoc (FR), Sound Around Kaliningrad (RU), Sin Pin Pier Gallery (TWN), Gaudeamus Muziekweek, November Music, Rewire, TodaysArt, STEIM, STRP, Glow, FIBER (NL) and more.

The Autosampler

Krzysztof Cybulski

Autosampler to urządzenie nasłuchujące i rejestrujące dźwięki otoczenia, stworzone na bazie mikrokomputera Raspberry Pi i zasilane energią słoneczną. Na podstawie doświadczeń w programowaniu narzędzi muzycznych oraz budowie fizycznych instrumentów, urządzenie zostało zaprojektowane tak, by automatycznie wykrywać harmoniczne dźwięki (o określonej wysokości, np. klakson, głosy, szczekanie psa). Po ich rozpoznaniu dźwięk zostaje zapisany jako próbka dźwiękowa wraz z informacją o jego wysokości.. Zebrane dźwięki z różnych charakterystycznych punktów Warszawy, takich jak Dworzec Centralny, Stare Miasto czy okolice Trasy Łazienkowskiej, stworzyły unikalną bibliotekę dźwiękową Wszystkie zebrane dźwięki będą dostępne na licencji Creative Commons, materiały można pobrać ze strony: https://krzysztofcybulski.com/autosampler.php. Autosampler zwraca uwagę na akustyczny aspekt przestrzeni publicznej Warszawy, jednocześnie podkreślając znaczenie ekologii dzięki wykorzystaniu energii odnawialnej. Proces rejestracji, przypominający działanie street-artu, tworzy nowy sposób dokumentowania i interpretowania brzmienia miasta.

The Autosampler is a device designed to listen to and record ambient sounds, built using a Raspberry Pi microcomputer and powered by solar energy. Based on experience in programming musical tools and building physical instruments, the device has been designed to automatically detect harmonic sounds (of a specific pitch, such as car horns, voices, dog barks). Upon detection, the sound is recorded as a sample along with information about its pitch. Collected sounds from various iconic locations in Warsaw, such as the Central Railway Station, the Old Town, and the area around the Łazienkowska Route, have been compiled into a unique sound library. All collected sounds are available under a Creative Commons license and can be downloaded from the website: https://krzysztofcybulski.com/autosampler.php. The Autosampler highlights the acoustic aspect of Warsaw's public spaces while emphasizing the importance of ecology through the use of renewable energy. The recording process, reminiscent of street art, creates a novel way of documenting and interpreting the soundscape of the city.

krzysztofcybulski.com Autosampler interview (BLOKAS)

^{Krzysztof Cybulski} (*1980) – muzyk i artysta dźwiękowy. W swojej twórczości łączy elementy analogowe, cyfrowe, akustyczne i mechaniczne, wykorzystując postcyfrowe podejście. Łączy nowe i przestarzałe technologie, tworząc zaskakujące i innowacyjne połączenia, które stają się interaktywnymi instalacjami dźwiękowymi i instrumentami.
Doktor Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie. W 2017 roku otrzymał wyróżnienie honorowe w konkursie Prix Ars Electronica w kategorii "digital musics & sound art". Zdobywca drugiej nagrody oraz trzykrotny półfinalista konkursu Margaret Guthman Musical Instruments na Georgia Institute of Technology (USA, 2014, 2015, 2016, 2020). Członek Polskiego Stowarzyszenia Muzyki Elektroakustycznej (PSeME), współzałożyciel kolektywu sztuki nowych mediów panGenerator.
Prezentował swoje prace na takich wydarzeniach jak Ars Electronica Festival (Austria, 2018, 2017), Athens Digital Art Festival (Grecja, 2018), International Conference of New Interfaces for Musical Expression (Dania, 2017; Wielka Brytania, 2020; Nowa Zelandia, 2022), Warszawska Jesień (Polska, 2023, 2022, 2019, 2016), Audio Art (Polska, 2018), Musica Polonica Nova (Polska, 2018), Biennale WRO (Polska, 2015), Ad Libitum (Polska, 2015), Instalakcje (Polska, 2015). Współpracował m.in. z takimi artystami jak Robert Curgenven, Krzysztof Knittel, Anna Zaradny, Norman Leto, Sławomir Wojciechowski.
Był stypendystą Miasta Stołecznego Warszawy w 2019 roku, Ministra Kultury w 2017 roku oraz otrzymał granty kompozytorskie w 2013 i 2015 roku. Współzałożyciel zespołu post-rockowego Lomi Lomi związanego z wytwórnią Lado ABC oraz tria Cybulski/Lipiński/Szuszkiewicz.

^{Krzysztof Cybulski} (*1980) - musician and sound artist. In his work he combines analog, digital, acoustic and mechanical elements in a postdigital approach, mixing new and obsolete technologies to create new and surprising combinations that eventually become interactive sound installations and instruments.
PhD holder from Chopin Warsaw University of Music. He received honorary mention at Prix Ars Electronica in 2017 in the category "digital musics & sound art". Second prize winner and three time semifinalist of Margaret Guthman Musical Instruments competition at Georgia Institute of Technology (USA, 2014, 2015, 2016 & 2020). A member of PSeME (polish section of International Confederation of Electroacoustic Music) , co-founder of new media art collective "panGenerator". He presented his work at events such as Ars Electronica Festival (Austria, 2018, 2017), Athens Digital Art Festival (Greece, 2018), International Conference of New Interfaces for Musical Expression (Denmark, 2017, UK, 2020, New Zealand, 2022), Warsaw Autumn Festival (Poland, 2023, 2022, 2019, 2016), Audio Art (Poland, 2018), Musica Polonica Nova (Poland, 2018),Biennale Wro (Poland, 2015), Ad Libitum (Poland, 2015), Instalakcje (Poland, 2015) and collaborated with artists such as Robert Curgenven, Krzysztof Knittel, Anna Zaradny, Norman Leto, Slawomir Wojciechowski. He'd been awarded art scholarship from Capitol City of Warsaw in 2019, Polish Ministry of Culture in 2017 and composition grants in 2013 and 2015. Co-founder of post-rock group Lomi Lomi of Lado ABC label and his own Cybulski/Lipiński/Szuszkiewicz trio.

PikiP Solar Speakers

PikiP to niezależna firma z siedzibą w Marsylii we Francji, zajmująca się projektowaniem innowacyjnych systemów dźwiękowych i energii generowanej słonecznie, oferując alternatywne rozwiązania dla autonomicznych i zeroemisyjnych wydarzeń.

Dostarczamy profesjonalny mobilny sprzęt, który można używać w dowolnej lokalizacji, aby zasilać i nagłaśniać wydarzenia przez całą dobę bez konieczności podłączenia do sieci elektrycznej.

Cała linia akustycznych produktów PikiP jest w pełni autonomiczna dzięki naszym generatorom energii słonecznej, które wykorzystują opatentowaną technologię wzmacniaczy PikiP. Sprzęt może być również wykorzystywany w instalacjach stacjonarnych. Linia PikiP Energy obejmuje stacje energetyczne dostępne w trzech poziomach mocy — 10, 16 i 32 A — dostarczające do 3x10 kVA w trójfazowym układzie, wraz z platformami fotowoltaicznymi, co stanowi cichą i ekologiczną alternatywę dla generatorów spalinowych. Stacje mogą zasilać całe zaplecze wydarzeń: systemy nagłośnieniowe, oświetlenie, bary, catering oraz sprzęt sceniczny.

About: PikiP is an independent company based in Marseille, France, that manufactures innovative sound design & solar generated energy, offering an alternative solution for autonomous and zero emissions events.

We provide professional mobile equipment that can be used in any location, for events to be powered and amplified day and night without requiring connection to the grid.

The entire PikiPacoustic range is fully autonomous thanks to our solar energy generators, which incorporate PikiP’s patented amplifier technology. This equipment can also be used for fixed installations if needed. The PikiPenergy range is composed of energy stations available in three power levels ; 10, 16, and 32A—and capable of delivering up to 3x10kVA in three-phase, along with photovoltaic platforms, providing a quiet and eco-friendly alternative to the use of thermal generators. It is meant to power all the equipment used during an event: sound systems, lighting, bar and catering, backline.

www.pikip-solarspeakers.com/en pikipsolarspeakers

PikiP Stage

Akustyczne moduły, które można zainstalować w dowolnym miejscu, konfigurowalne dla publiczności liczącej do 2000 osób. W 100% autonomiczne dzięki rackowi AEA (Autonomy Energy Amplification), który zawiera baterie i opatentowaną technologię wzmacniaczy PikiP.

Acoustic modules that can be installed in any location, configurable for audiences of up to 2,000 people. 100% autonomous thanks to the AEA (Autonomy Energy Amplification) rack, which includes batteries and PikiP’s patented amplifier technology.

BPikiP Veloma

Mobilna scena na wydarzenia dźwiękowe, holowana przez rower, z możliwością obsługi publiczności do około 300 osób.

A bike-towed stage for mobile sound events, accommodating up to ~300 people.

BPikiP Booth

Autonomiczna scena DJ-ska, prawdziwy muzyczny totem zaprojektowany, by gromadzić ponad 500 osób.

An autonomous DJ stage, a true musical totem designed to gather more than 500 people.

PikiP Energy

Zeroemisyjne stacje energetyczne zdolne do zasilania wszelkiego rodzaju sprzętu. Dostępne w trzech poziomach mocy — 10, 16 i 32 A — i zdolne dostarczyć do 3x10 kVA w trójfazowym układzie. Stacje mogą być ładowane z sieci (w mniej niż 2 godziny) lub za pomocą energii słonecznej przy użyciu platform fotowoltaicznych (dwa moduły 400 Wc).

Zero-emission energy stations capable of powering all types of equipment. Available in three power levels—10, 16, and 32A—and capable of delivering up to 3x10kVA in three-phase. These stations can recharge via the grid (in under 2 hours) or solar energy, using our photovoltaic platforms (two 400Wc modules).

All photos © PIKIP SOLAR SPEAKERS

Craig Colorusso

^{Craig Colorusso} (ur. 1970) to amerykański artysta tworzący instalacje dźwiękowe oraz muzyk, znany z publicznych dzieł sztuki łączących dźwięk, światło i otoczenie. Jego najbardziej znana praca, Sun Boxes, miała swoją premierę w czerwcu 2009 roku podczas wystawy „Off the Grid” w Goldwell Museum w Rhyolite, Nevada. Instalacja ta była prezentowana w ponad trzydziestu stanach USA, a także w Doha w Katarze.

^{Craig Colorusso} (born 1970) is an American sound installation artist and musician known for his public art pieces connecting to sound, light, and environment.His most prolific piece, Sun Boxes, premiered in June 2009 as part of the exhibition “Off the Grid” at the Goldwell Museum in Rhyolite, Nevada and has been installed in over thirty states across the US as well as in Doha, Qatar.

craigcolorusso.com

youtube

Sun Boxes

Sun Boxes to przestrzeń, którą można swobodnie eksplorować, wchodząc i wychodząc według własnych potrzeb. Instalacja składa się z dwudziestu niezależnie działających głośników, zasilanych energią słoneczną za pomocą paneli fotowoltaicznych. Każde urządzenie odtwarza w pętli dźwięk pojedynczego tonu gitary, który w połączeniu z pozostałymi tworzy akord B♭. Pętle mają różną długość, co powoduje, że dźwięki stale się nakładają, a kompozycja stopniowo ewoluuje.
Dźwięki Sun Boxes są opisywane jako kojące i jednocześnie energetyzujące – wyjątkowe połączenie cech często przypisywanych jodze lub medytacji. Uczestnicy instalacji mogą zwolnić tempo i dostrzec subtelności rozwijającej się kompozycji. W dzisiejszym świecie pełnym technologii i ciągłego pośpiechu Sun Boxes oferuje potrzebną chwilę wytchnienia, nie tylko pozwalając, ale wręcz zachęcając, by się zatrzymać i odnaleźć spokój.

Sun Boxes is an environment to enter and exit at will. It’s comprised of twenty speakers operating independently, each powered by the sun via solar panels. There is a different loop set to play a guitar note in each box continuously. These guitar notes collectively make a Bb chord. Because the loops are different in length, once the piece begins they continually overlap and the piece slowly evolves over time. The sounds of Sun Boxes have been described as both soothing and energizing. A unique combination of adjectives often used to describe yoga, or meditation. When experiencing the piece, Sun Boxes allows the participant to slow down, and notice the subtleties of the composition unfold. With the abundance of technology and hustle of this culture it is a much needed concept to not only be allowed, but also encouraged to slow down.

Wilson Circle
© Craig Colorusso

„Wilson Circle” autorstwa Craiga Colorusso to instalacja dźwiękowa umieszczona w samym sercu pięknego lasu Wilson Preserve w Fayetteville, w stanie Arkansas. Projekt został stworzony, aby zapewnić immersyjne doświadczenie, w którym współgranie dźwięku i środowiska zachęca do refleksji i interakcji.
Instalacja jest zorganizowana w formie koła, wykorzystując zarówno dźwięki naturalne, jak i syntetyczne, aby stworzyć dynamiczny pejzaż dźwiękowy, który zmienia się w czasie. Okrągły układ nie tylko wzmacnia właściwości akustyczne przestrzeni, ale także buduje poczucie wspólnoty wśród uczestników, wciągając ich w sam środek doświadczenia. To jak mały zakątek lasu, który wydaje dźwięki.

“Wilson Circle" by Craig Colorusso is a sound installation in the middle of a beautiful forest called Wilson Preserve located in Fayetteville, Arkansas. The piece is designed to create an immersive experience, where the interplay of sound and environment encourages reflection and interaction.Set within a circular arrangement, the installation utilizes a combination of natural and synthesized sounds, creating a dynamic auditory landscape that evolves over time. The circular format not only enhances the acoustic properties of the space but also fosters a sense of community among participants, as they are drawn into the center of the experience. It's like a lttle corner of the forest that makes sound.

Bridges

więcej wkrótce

more info soon

Path of the Bumblebee

więcej wkrótce

more info soon

Alex Nathanson

^{Alex Nathanson} jest projektantem, technologiem, artystą i edukatorem. Jego praca koncentruje się głównie na badaniu zarówno eksperymentalnych, jak i praktycznych zastosowań technologii energii odnawialnej. Jest założycielem i głównym projektantem platformy edukacyjnej i artystycznej Solar Power for Artists oraz jej partnerskiego studia Energy Transition Design LLC. Misją obu organizacji jest uczynienie energii odnawialnej dostępną, namacalną i zrozumiałą. Jako projektant systemów energii słonecznej tworzył interaktywne i edukacyjne projekty dla Climate Museum, Solar One i Wydziału Edukacji Miasta Nowy Jork. Wspólnie z Tegą Brain i Benedettą Piantella współtworzył projekt Solar Protocol. Jego książka "Historia sztuki i designu zasilanych solarnie" została wydana przez Routledge w 2021 roku, a jego kolejna książka "Energia słoneczna dla artystów" ma się ukazać w 2026 roku.

^{Alex Nathanson} is a designer, technologist, artist, and educator. His work is primarily focused on exploring both the experimental and practical applications of sustainable energy technologies. He is the founder and lead designer of the education and art platform Solar Power for Artists and its partner studio, Energy Transition Design LLC. The mission of both organizations is to make sustainable energy accessible, tactile, and understandable. As a solar power designer, he has created interactive and educational projects for the Climate Museum, Solar One, and the NYC Department of Education. In collaboration with Tega Brain and Bennedetta Piantella, he co-created the Solar Protocol project. His book A History of Solar Power Art and Design was published by Routledge in 2021. His next book Solar Power for Artists is anticipated to be published in 2026.

Alex Nathanson

Energy Transition Design LLCSolar Power for Artists

A History of Solar Power Art and Design by Alex Nathanson
(Historia sztuki i designu zasilanych solarnie)

Historia sztuki i designu zasilanych solarnie autorstwa Alexa Nathansona (wydana przez Routledge w 2021 roku) to pierwsza pełnowymiarowa, interdyscyplinarna publikacja na ten temat. Książka bada historię twórczych zastosowań energii słonecznej, fotowoltaicznej (PV), w tym w sztuce dźwięku, technologii materiałowej, sztuce publicznej, projektowaniu przemysłowym, mediach cyfrowych, projektowaniu architektonicznym-zintegrowanym i wielu innych dziedzinach. Wzrost liczby artystów i projektantów włączających energię słoneczną do swojej pracy odzwierciedla szersze zjawiska społeczne, ekonomiczne i polityczne. Spadające koszty ogniw fotowoltaicznych sprawiły, że stały się one bardziej dostępne, co umożliwiło ich wykorzystanie w coraz szerszym zakresie zastosowań projektowych i artystycznych. W miarę jak zmiany klimatyczne coraz bardziej przekształcają nasze środowisko i stają się kwestią publiczną, rośnie również znaczenie integracji technologii energii odnawialnej z naszą kulturą.

A History of Solar Power Art and Design by Alex Nathanson (published by Routledge in 2021) is the first full length interdisciplinary history on this subject. The book examines the history of creative applications of photovoltaic (PV) solar power, including sound art, wearable technology, public art, industrial design, digital media, building integrated design, and many others. The growth in artists and designers incorporating solar power into their work reflects broader social, economic, and political events. As the cost of PV cells has come down, they have become more accessible and have found their way into a growing range of design applications and artistic practices. As climate change continues to transform our environment and becomes a greater public concern, the importance of integrating sustainable energy technologies into our culture grows as well.

SHOP

Energy Transition Design LLC’s Educational Solar Cart
(Edukacyjny Wózek Słoneczny firmy Energy Transition Design LLC)

Energy Transition Design LLC to studio projektowe skupione na odnawialnych źródłach energii, założone przez Alexa Nathansona. Edukacyjny Wózek Słoneczny tej firmy jest otwartą platformą mającą na celu zwiększenie dostępności energii słonecznej. Aluminiowy wózek wyposażony jest w zintegrowany uchwyt montażowy dla paneli PV z regulacją kąta nachylenia (0-90 stopni), kółka, otwory wentylacyjne i drzwi z okienkiem. Wózek może być wykorzystywany jako platforma do szerokiej gamy zastosowań energii słonecznej.

Energy Transition Design LLC is a renewable energy focused design studio founded by Alex Nathanson. Energy Transition Design’s Educational Solar Cart is an open platform for making solar power more accessible. The aluminum cart has an integrated variable tilting PV mounting rack (0-90 degrees), wheels, vents, and a windowed door. You can use the cart as a platform for a wide variety of solar power applications.

Daniel Fishkin

Uszy ^{Daniela Fishkina} wciąż dzwonią. To kompozytor i twórca instrumentów muzycznych. Daniel studiował u kompozytorki Maryanne Amacher oraz multiinstrumentalisty Marka Stewarta. Występował jako solista na syntezatorze modularnym z Amerykańską Orkiestrą Symfoniczną, tworzył instalacje dźwiękowe w opuszczonych salach koncertowych oraz brał udział w niezliczonych koncertach punkowych w piwnicach. Jego życiowe dzieło, skupiające się na badaniu estetyki uszkodzeń słuchu, zyskało międzynarodowe uznanie (Nature Journal, 2014). Jako sojusznik w poszukiwaniu lekarstwa na szumy uszne został wyróżniony tytułem „ambasadora szumów usznych” przez Deutsche Tinnitus-Stiftung.
Daniel jest jedynym lutnikiem, który bezpośrednio studiował u wynalazcy daxofonu, Hansa Reichela. Jego instrumenty były prezentowane na całym świecie, m.in. w Kanadzie, Kalifornii, Norwegii, Niemczech, Francji, Japonii, Kazachstanie i Australii. Daniel uzyskał tytuł magistra kompozycji muzycznej na Uniwersytecie Wesleyan i prowadził zajęcia z projektowania instrumentów oraz muzyki elektronicznej w Bard College, Cooper Union, a ostatnio na Ramapo College w New Jersey. Obecnie jest doktorantem w dziedzinie kompozycji i muzyki komputerowej na Uniwersytecie Wirginii.

^{Daniel Fishkin’s} ears are ringing. Composer of musical instruments. Daniel studied with composer Maryanne Amacher and with multi-instrumentalist Mark Stewart. He has performed as a soloist on modular synthesizer with the American Symphony Orchestra, developed sound installations in abandoned concert halls, and played innumerable basement punk shows. Daniel’s lifework investigating the aesthetics of hearing damage has received international press (Nature Journal, 2014); as an ally in the search for a cure, he has been awarded the title of “tinnitus ambassador” by the Deutsche Tinnitus-Stiftung. He is the only luthier that studied directly with the daxophone’s inventor, Hans Reichel; Daniel’s instruments have traveled the world, including Canada, California, Norway, Germany, France, Japan, Kazakhstan, and Australia. Daniel received his MA in Music Composition from Wesleyan University, and has taught courses on instrument design and electronic music at Bard College, the Cooper Union, and more recently, Ramapo College of New Jersey. He is currently a PhD Candidate in Composition and Computer Music at the University of Virginia.

D. Fiction MONAD

Solar Sounders

W 2017 roku zacząłem zgłębiać energię słoneczną – koncept często wykorzystywany w układach elektronicznych, lecz znacznie rzadziej w muzyce.

Solar Sounder to syntezator, który gra dzięki światłu słonecznemu. Działa on w sposób zupełnie odwrotny do większości układów elektronicznych, jakie możesz spotkać. Solar Soundery nie mają baterii ani pokręteł; ich dźwięk jest sterowany światłem słonecznym, które zasila wewnętrzny syntezator zaprojektowany do pracy z nieustannie zmieniającym się źródłem energii. Celem nie jest oszczędzanie energii, lecz tworzenie muzyki.

Mój dobry przyjaciel i mistrz czarów Peter Blasser zaprojektował pierwotne obwody dla rodziny instrumentów solarnych, które naśladują dźwięki natury. Byłem poruszony poetyckim potencjałem tych instrumentów i wkrótce zacząłem pracę nad własną rodziną obwodów solarnych. Solar Soundery Petera były umieszczane w tekturowych obudowach, jednak dostrzegłem potencjał w zaprojektowaniu bardziej trwałych urządzeń, które mogłyby funkcjonować na zewnątrz przez długi czas. Niektóre z moich pierwszych instrumentów solarnych korzystały z obwodów Petera, a w miarę kontynuowania projektu pojawiają się nowe układy.

Zaprojektowałem te zakrzywione drewniane obudowy, aby przekroczyć swoje granice w pracy z drewnem, a także aby stworzyć żywe, dynamiczne formy, które – mam nadzieję – wydają się bardziej ożywione niż zwykłe pudełka. Zbudowałem również mały kurnik z orzecha włoskiego i katalpy, aby można było wyciszyć instrumenty w cieniu.

Sam w sobie Solar Sounder jest prostą maszyną, ale w grupie ożywa – wesoło ćwierkając, a ich pieśni zmieniają się w ciągu dnia. Te instrumenty sugerują odmienne podejście do tradycji muzyki elektronicznej – na przykład instalacje wielokanałowe zazwyczaj skupiają się na precyzyjnym kierowaniu sygnałów w celu osiągnięcia pożądanych rezultatów akustycznych. Solar Soundery oferują nowatorskie podejście do „live-diffusion”: zamiast kręcić pokrętłem, aby przesunąć dźwięk w przestrzeni akustycznej, wystarczy podnieść instrument i go przenieść. W ten sposób zachęcają do wsłuchiwania się w subtelności otaczającego środowiska.

W obliczu zmian klimatycznych zagrażających strukturom, na których tak bardzo polegamy, łatwo wyobrazić sobie dystopijne scenariusze przyszłości wpływające na nasze życie. Wyobraź sobie świat bez sieci elektrycznej. Co by się stało, gdyby rozbłysk słoneczny zniszczył systemy komunikacyjne, od których jesteśmy tak uzależnieni? Co, jeśli wybuch jądrowy zniszczyłby sieć energetyczną? Jak byśmy przetrwali? I jak tworzyć muzykę elektroniczną?

In 2017, I started to explore solar power, a concept often utilized in circuitry, though not as frequently in music.

A Solar Sounder is a synthesizer played by sunlight. It works opposite from just about every other circuit you might encounter. Solar Sounders have no batteries, and no knobs; instead, its speaker output is governed by sunlight, powering an internal synthesizer that is designed to work with ever-fluctuating power source. The goal is not to conserve charge, but to make music.

My good friend and wizard Peter Blasser designed the initial circuits for a family of solar instruments that emulate natural sounds. I was moved by the poetic potential of these instruments and subsequently began working on my own family of solar circuits. Peter’s solar sounders were all housed in cardboard, however I saw the design potential to make more permanent machines that could live outside for a very long time. Some of my first solar instruments used Peter’s circuits, and as I continue to work on this project, new circuits multiply.

I built these curved wooden enclosures to stretch my limits in woodworking, and also to dream up lively, active forms, that hopefully seem more animated than boxes. I also built them a little chicken coop from walnut and catalpa, so you can quiet them down in the shade.

By itself, a Solar Sounder by itself is a crude machine, but in a group, they come to life, twittering away merrily, their songs changing as the day passes. These instruments suggest different approaches to the traditions of electronic music—for example, multi- channel installation typically concerns the expert, calculated routing of signals for beneficial acoustical results. Solar Sounders offer a novel approach to live-diffusion: instead of twirling a knob to move a voice in the sound-field, you just pick it up and move it around. Thus, these instruments encourage one to hear the nuances of their surroundings.

As global warming looms, it threatens the structures we rely upon so heavily. These days, it’s easy to imagine the most dystopian future scenario impinging itself upon our way of life. Imagine a grid-less country. What would happen if a solar flare wiped out the communication systems we depend on so dearly? What happens if a nuclear explosion destroys the power-grid? How will we survive? And how will we make electronic music?

Solar Sounders